Archive for October, 2014

«Հայկական երաժշտությունը և մակեդոնական երաժշտությունը ունեն հոգի, կիրք, սիրտ, էներգիա»

October 27th, 2014
by
under Հայերեն հոդվածներ.
No Comments.

«Հայկական երաժշտությունը և մակեդոնական երաժշտությունը ունեն հոգի, կիրք, սիրտ, էներգիա»

24.10.2014 | 12:44

Երևանյան 8-րդ միջազգային երաժշտական փառատոնի եզրափակիչ համերգը կնշանավորվի մակեդոնացի դաշնակահար Սիմոն Տրպչեսկու և բրազիլացի ճանաչված կիթառահար Ֆաբիո Զանոնի ելույթներով: Մինչ համերգը Հայաստանի պետական ֆիլհարմոնիկ նվագախմբի հյուրերը հանդիպեցին լրագրողների հետ:
«Ինձ շատ դուր է գալիս, որ եկել եմ Հայաստան,- իր խոսքը հայերենով սկսեց Սիմոն Տրպչեսկին, ապա հավելեց, որ սա իր երկրորդ հայաստանյան ացելությունն է:- Նախորդ անգամ, երբ այստեղ էի, ներկա էր մշակույթի նախարարը, նա ողջունեց ինձ ու ասաց, որ այս մարդն անկասկած հայկական ծագում ունի»:
Հետաքրքիր հայերենով խոսել փորձող, հայկական դիմագծեր ունեցող ՍԻՄՈՆ ՏՐՊՉԵՍԿԻՆ և կիթառահար ՖԱԲԻՈ ԶԱՆՈՆԸպատասխանեցին նաև «Իրատես de facto»-ի հարցերին:
-Ծանո՞թ եք հայկական երաժշտությանը, երբևէ կատարե՞լ եք հայ կոմպոզիտորների ստեղծագործությունները:
Ֆ. Զ. - Ցավոք, չեմ կատարել, նույնիսկ չգիտեմ՝ ունե՞ն արդյոք հայ կոմպոզիտորները կիթառի համար գրված երաժշտություն: Եթե կան, ես շատ կուզենայի իմանալ, երբևէ չեմ առնչվել:
Ս. Տ. -Ծանոթ եմ Խաչատրյանին, Բաբաջանյանին, Կոմիտասին, բայց կուզենայի շատ ավելին իմանալ Կոմիտասի արվեստի մասին: Հիացած եմ Խաչատրյանի դաշնամուրային պիեսներով, հնարավորություն ունեցա դրանք լսելու ձեր հրաշալի դաշնակահարուհու` Արմինե Գրիգորյանի կատարմամբ: Ոչ հաճախ, բայց Խաչատրյանին անդրադառնում եմ իմ համերգային ծրագրերում: Երաժշտական այնքան շատ նյութ կա, որ կատարելու համար կյանքը չի հերիքում:
-Դասական երաժշտությունը, ասում են, ընտրյալների համար է, մասսայականություն է վայելում ցածրորակ, փոփ երաժշտությունը: Ինչպիսի՞ն է պատկերն այս առումով Մակեդոնիայում և Բրազիլիայում:
Ս. Տ. -Մակեդոնիայում չկա դասական երաժշտության այնպիսի գեղեցիկ ավանդույթ, ինչպես, ասենք, Արևմուտքում: Ամեն ինչ շատ ավելի բարձր մակարդակի վրա դրվեց Համաշխարհային մեծ պատերազմից հետո, ավելի լրջորեն սկսեցին աշխատել երաժշտական ինստիտուտները, Մակեդոնիայի ֆիլհարմոնիկը: Երբ Հարավսլավիան բաժանվեց, դժվար ժամանակներ էին, բայց, ամեն դեպքում, դասական երաժշտական կյանքը Մակեդոնիայում միշտ կենդանի է եղել: Այսօր կա զգալի աճ, հետաքրքրություն, գուցե անհամեստ հնչի, բայց ես նույնպես ունեցել եմ կարևոր դեր երիտասարդ սերնդի համար: Իհարկե, մեծ աշխատանք են արել նաև տարբեր ինստիտուտներ, մակեդոնական ֆիլհարմոնիկը, օպերան ու բալետը, երաժշտական փառատոները: Կարծում եմ, երկրի ղեկավարությունը պետք է ամեն ինչ անի, որ երիտասարդ հանդիսատեսին ներգրավի այդ պրոցեսում։ Սա գլխավոր խնդիրն է: Ցավալի է, բայց կա վատ ազդեցությունը փոփ երաժշտության, նաև ֆոլկլոր երաժշտության, որն իրականում ֆոլկլոր չէ, այլ խառնածին երաժշտություն: Ես լավատես եմ: Աշխատանքներ տարվում են Մակեդոնիայում: Ամենակարևորը, հայկական երաժշտությունը և մակեդոնական երաժշտությունը ունեն հոգի, կիրք, սիրտ, էներգիա:
Ֆ. Զ.- Շատ բարդ հարց է, ես կարծում եմ, որ չարժի համեմատել այս երկու ժանրերը: Երբ խոսում ենք դասական երաժշտության մասին, պետք է նկատի ունենանք, որ այն մարդկության պատմության թողած ժառանգությունն է: Առանց դասական երաժշտության չենք կարող հասկանալ երաժշտության մյուս ժանրերը: Բրազիլիայում մեծ նշանակություն է տրվում դասական երաժշտության ուսուցմանը: Ե՛վ պետական, և՛ մասնավոր միջոցներով սոցիալական բազմազան ծրագրեր են կյանքի կոչվում, որ պատանիները կարողանան դասական երաժշտական հիմնավոր ուսուցում ստանալ: Միաժամանակ շատ երեխաներ կտրվում են փողոցից: Տրամադրվում է նաև երաժշտական միջոցառումների 12 հազար աբոնեմենտ, սոցիալական ծրագրերում ընդգրկվում են անգամ ընտանիքներով: Շուրջ 15 տարի նման քաղաքականություն է իրականացվում: Եվ կարող եմ ասել՝ Բրազիլիայում շատ մեծ է հետաքրքրությունը դասական երաժշտարվեստի նկատմամբ:
Սիմոն Տրպչեսկին հավելեց, որ ականատես է եղել, թե ինչպես Բրազիլիայում դիրիժորը համերգը երեք անգամ ընդհատել է, որովհետև երեխաները աղմկել են. «Կուզենայի, որ Մակեդոնիայում նույնպես երաժշտությամբ հետաքրքրվողներին և չհետաքրքրվողներին բերեին համերգասրահ: Մեր կառավարությունը պետք է այնպես անի, որ երաժշտությունը ներկայացվի ոչ միայն կենտրոնում, այլև տարբեր շրջաններում»։ Դառնալով ՀՊՖՆ-ին՝ ասաց, որ համոզված է, որ եթե համերգներ ունենային Դիլիջանում, Իջևանում, Հրազդանում, ունկնդիրն անկեղծորեն կլսեր իրենց մատուցած երաժշտությունը։ «Պետք է հպարտ լինեք Հայաստանի ֆիլհարմոնիկով, որ ներկայացնում է դասական արվեստ և հայ երաժշտական արվեստ արտասահմանում։ Լինելով մակեդոնացի, խոստովանում եմ, որ մեր նվագախումբն այդքան հաճախ չի կարողանում համերգներ ունենալ տարբեր երկրներում, ինչի շնորհիվ հայտնի են դառնում երկիրը, նվագախումբը և երաժշտությունը, որը ներկայացվում է»:
Երևանյան 8-րդ միջազգային երաժշտական փառատոնի համերգը կկայանա հոկտեմբերի 24-ին, ժամը 19:00-ին՝ «Արամ Խաչատրյան» համերգասրահում: Ծրագրում` Շոստակովիչ (Տոնական նախերգանք), Ռոդրիգո (Կիթառի կոնցերտ), Բրամս (Դաշնամուրի կոնցերտ թիվ 1): Դիրիժոր, փառատոնի գեղարվեստական ղեկավար՝ Էդուարդ Թոփչյան: Նախասրահում կներկայացվի լուսանկարիչ Սոնա Անդրեասյանի «Ֆիլհարմոնիկյան կադրեր» ցուցահանդեսը:
Արմինե ՍԱՐԳՍՅԱՆ

VN:F [1.9.20_1166]
Rating: 5.0/5 (1 vote cast)
VN:F [1.9.20_1166]
Rating: 0 (from 0 votes)

spacer

Александр Мельников. Особый музыкальный язык в поиске задумки композитора

October 19th, 2014
by
under Статьи на русском.
No Comments.

Виртуозный российский пианист, заслуженный артист России Александр Мельников выступил 17 октября в Концертном зале им. Арама Хачатуряна в Ереване.

Концерт Мельникова и известной немецкой альтистки Димут Поппен прошел в сопровождении Государственного филармонического оркестра Армении под руководством Эдуарда Топчяна в рамках Восьмого Ереванского международного музыкального фестиваля.

Мельников исполнил Концерт для фортепиано с оркестром № 5 Бетховена.

«Его игра отличается удивительными красками и воображением… Его пианиссимо поражают… Все – свидетельство рефлексии и мастерства. Но пианист не поучает, он смеется, мечтает, танцует, жалуется…».

Отзыв ведущего критика Frankfurter Allgemeine Zeitung об Александре Мельникове.

Информационная служба “Оракул” представляет эксклюзивное интервью с пианистом.

“Оракул” – Александр Маркович, Ваша игра отличается с одной стороны удивительной утонченностью и филигранностью, с другой – силой и эмоциональной мощью исполнения. Как Вам удается этого добиться?

А. Мельников - Никогда не мыслил о своей игре такими категориями, поскольку не уверен, что мне это удается. Стараюсь играть произведение так, как, мне кажется, его нужно играть и ни о чем не думаю.

Я себя так натренировал, потому что человек не должен думать сам про себя — это опасно.  Если начинаешь о себе много думать, то могут из-за этого возникнуть психологические проблемы. Я действительно стараюсь не задаваться таким вопросами, просто нужно работать.

“Оракул” – Вы известны своими необычными интерпретациями. Какой у Вас подход к интерпретации музыки?

А. Мельников — Это тоже трудно разграничить. Я всегда пытаюсь найти некий музыкальный язык, который, на мой взгляд, может быть ошибочно близок к тому, что композитор имел в виду, ведь мы не можем этого знать наверняка. Я пытаюсь понять это в плоскости музыкального идиоматического языка.

“Оракул” – Как происходит процесс открытия и понимания музыки? В каком состоянии для этого Вам нужно находиться?

А. Мельников – Происходит так: поиск и иногда нахождение.

Часто кажется, что никогда ничего не удается найти, довольно редко кажется, что что-то удалось. А состояние, при этом, зависит от миллионов факторов.

“Оракул” – Вы играете на старинных инструментах. Считаете ли, что старинная музыка должна исполняться именно на тех инструментах, для которых она изначально была написана? Как Вы видите решение проблем старинной музыки и современных инструментов?

А. Мельников – Об этом много спорят. Я, например, люблю играть на старинных инструментах, а кто-то не любит. Инструменты очень важны, но не только в них дело, например, не представляю игру на молоточковом фортепиано в большом зале. В каждом конкретном случае нужно решать этот вопрос индивидуально, но, в целом, я предпочитаю всегда играть на старых инструментах музыку 18-19 веков, потому что мне это нравится прежде всего эстетически. Кроме того, такие инструменты не дают уйти слишком далеко в сторону, как это допускают современные инструменты при исполнении старинной музыки.

Беседовала Лусинэ Даллакян

Александр Мельников родился в 1973 году в московской семье с глубокими музыкальными традициями. Начал играть на фортепиано в шесть лет, в семь лет дебютировал с концертом Баха в Большом филармоническом зале Минска. Мельников учился в Московской консерватории у Льва Наумова,  потом в Высшей музыкальной школе в Мюнхене у Элисо Вирсаладзе, стажировался у Андреаса Штайера. С 2002 года преподавал специальное фортепиано в Королевском музыкальном колледже в Манчестере (Великобритания).

Значительным импульсом к развитию его музыкальной карьеры послужило раннее знакомство со С. Рихтером, который впоследствии, когда Александр стал уже сложившимся артистом, регулярно приглашал его на свои фестивали в России («Декабрьские вечера» в Москве, в Тарусе) и Франции (в Туре).

С юных лет пианист ведет активную концертную деятельность. Он выступает в самых престижных концертных залах России, стран Европы, Азии и Америки: Куин Элизабет Холл, Вигмор Холл и Ройял Концерт Холл в Лондоне, «Консертгебау» в Амстердаме, в Лувре и залах театра «Шатле» и Театра де ля Виль в Париже, «Геркулес-зале» и зале филармонии в Мюнхене, «Альте опер» во Франкфурте, «Дворце музыки» в Барселоне, «Сантори-холле» в Токио, Венском Концертхаусе, зале Верди в Милане, Большом зале Московской консерватории и других.

Мельников работал с такими дирижёрами, как Юрий Башмет, Валерий Гергиев и Владимир Федосеев. Лауреат ряда международных конкурсов.

Известный своими необычными интерпретациями и своеобразным подходом к составлению программ, Мельников с первых лет своей карьеры обнаружил интерес к игре на старинных инструментах. Наибольшее влияние в этом направлении оказали на него Андреас Штайер и Алексей Любимов. Мельников регулярно играет с такими выдающимися ансамблями старинной музыки, как «Кончерто Кельн» и «Академия старинной музыки» в Берлине.

VN:F [1.9.20_1166]
Rating: 0.0/5 (0 votes cast)
VN:F [1.9.20_1166]
Rating: 0 (from 0 votes)

spacer

Альфа и омега музыки

October 17th, 2014
by
under Статьи на русском.
No Comments.

Украшением двух очередных концертов Ереванского международного музыкального фестиваля стало выступление пианиста Франсуа-Фредерика Ги (Франция). В его артистической деятельности, протекающей преимущественно в странах Европы, особое место занимает музыка Бетховена: в 2008 г. пианист исполнил, одновременно записывая (фирма Zig-Zag), все 32 фортепианные сонаты и 5 фортепианных концертов Бетховена.

Сочинения Бетховена, квалифицируемого Ги как “альфа и омега музыки”, были исполнены на обоих концертах. На камерном – Соната N3 для фортепиано и виолончели ля мажор, на симфоническом – Концерт N4 для фортепиано с оркестром соль мажор. Их интерпретации позволяют говорить о Ги как о сформировавшемся мастере, имеющем свой ключ к тайне искусства.

Одна из черт Ф.-Ф. Ги – неспешность мышления, иначе, отсутствие суетливости мысли, повышенных скоростей в пассажах, темпах, столь популярных в современном исполнительстве. Ги же заботит адекватность звукоизвлечения и стиля; оттого в Бетховене он слышит наследника и продолжателя классики – не модернизируя его, но и не делая музейным. Игра Ги приковывает внимание качеством звука: мягкий, хрустально-прозрачный, в некотором смысле “моцартовский”, он вместе с тем передает свойства традиции французских клавесинистов, в XX в. возрожденных у импрессионистов.

В этом плане показательна интерпретация крайних частей Сонаты Бетховена, в средних же инициатива принадлежала виолончелисту Александру Чаушяну (Великобритания), использовавшим – в целях контраста – легкий короткий смычок в скерцо и, наоборот, протяженный в Adagio contabile. Впрочем, медленная музыка – это только внешняя статика, внутри ее течет оживленная жизнь; вот что поведали слушателям исполнители Сонаты.

Интерпретация Концерта N4 Бетховена, где солист и оркестр, возглавляемый Эдуардом Топчяном, нашли общую эстетическую платформу, скорректировав и сферы звучания, углубила представление о многогранности искусства Ги. В нашей памяти останутся каденция первой части, осмысленная Ги как вариации на один аккорд, скорбность интонации в риторическом диалоге с оркестром во второй части.

Помимо произведений Бетховена, на камерном вечере французский пианист играл в ансамбле с армянскими музыкантами. В Фортепианном трио N1 си мажор Брамса его партнерами были Ануш Никогосян (скрипка) и Александр Чаушян (виолончель). Отражающая основное содержание масштабного произведения первая часть получилась удачнее всех. В исполнении последних трех частей ощущался недостаток ансамблевой проработки, в результате чего нить повествования периодически прерывалась.

Более гармоничным было исполнение Фортепианного квинтета ля мажор (“Форель”, так называется песня Шуберта, варьируемая в четвертой части). Музыканты в составе Ги, Никогосян, Яна Барян (альт), Чаушян, Карен Хачатрян (контрабас) играли Шуберта с большим подъемом чувств. Трепетная музыкальная атмосфера, во многом обеспеченная благодаря фонизму у фортепиано, была достигнута в первой части Аllegro vivace. А в медленной второй части, где соло виолончели в приглушенном звучании ансамбля привнесло тон одиночества, внимание привлекала тонкая работа композитора; не случайно эта пролонгация одного состояния, основанная на повторяемых мотивах, позволяет видеть в Шуберте одного из предтеч репетивной техники XX в.

Возможно, главное – когда исполнитель не заслоняет собой автора музыки. Чаушян вместе с камерным составом Филармонического оркестра Армении под руководством Топчяна не “заслонили” пятидесятилетнего Ваче Шарафяна, автора Виолончельной сюиты. Но о чем нам говорит эта четырехчастная сюита, воспринимаемая как вторичная музыка? Неостилевая ориентация автора, пассивно использующего клише то необарочной, то неоромантической музыки и при этом заигрывающего с “новой простотой”, вызывают ощущение некого декаданса.

Симфонический концерт завершала Пятая симфония ре минор Шостаковича, за исключением скерцо, исполненная очень хорошо. Оркестр перед выездом на гастроли в Австрию-Германию играл исправно, технически выкладываясь и сопереживая с гениальной музыкой Шостаковича. Крайние части симфонии – главные, как у Брамса, – прозвучали наиболее убедительно. Радовал чистый унисон струнных, исполненный в контексте той истовой боли за человека, которую в музыке обычно передавали немецкие композиторы. И Шостакович, будто ссылаясь на Четвертую симфонию Брамса (начиная с первой темы), создает в страшном 1937-ом свою великую эпопею о человеке, поныне остающейся и назиданием, и пророчеством.

СВЕТЛАНА САРКИСЯН, доктор искусствоведения

VN:F [1.9.20_1166]
Rating: 5.0/5 (1 vote cast)
VN:F [1.9.20_1166]
Rating: -1 (from 1 vote)

spacer